"DANZA FOLKLORICA"

     La danza Folklórica Mexicana tiene raíces que se remontan a muchos siglos atrás. Aunque cada región y estado son el hogar de varios tipos y estilos de baile, todos tienen sus orígenes en las tres principales tradiciones de la danza.

     La forma más antigua de las danzas folklóricas mexicanas, tiene sus raíces en los días de Mesoamérica, durante la época de los Mayas y Aztecas. Las danzas rituales a menudo tienen vínculos con aspectos religiosos. Un ejemplo de ello es la Tlacolorerosis azteca en el estado de Guerrero, realizado durante la temporada de cosecha.

      La polca, un tipo de baile surgido en la región de Bohemia durante la primera mitad del siglo XIX, 

es un ejemplo de danza folklórica europea. Se caracteriza por el tempo rápido, en compás de 2/4 que 

exige movimientos veloces y agilidad.

En el caso de España nos encontramos con diversos tipos de danza folklórica. Así, por ejemplo, una de 

ellas es la jota. Bandurrias y guitarras son fundamentalmente los instrumentos musicales que se utilizan 

para interpretar este tipo de pieza que luego los bailarines danzan ataviados con los trajes regionales 

típicos de cada comunidad autónoma y al mismo tiempo que ellos mismos tocan castañuelas.

De la misma forma, tampoco podemos pasar por alto el hecho de que una de las danzas folklóricas 

españolas más importantes es el baile flamenco. En el siglo XVIII, y concretamente en Andalucía, fue 

donde surgió el flamenco en general, tanto la música como la danza, que en estos momentos está 

catalogado como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

     Estas dos definiciones nos permiten acercarnos al concepto de danza folklórica, que son los bailes 

típicos y tradicionales de una cultura. La danza folklórica suele realizarse por tradición (no es un 

arte innovador) y puede ser bailada por cualquier hombre y mujer (no es exclusividad de los bailarines 

profesionales, aunque pueden existen grupos profesionales de danza folklórica)

TEATRO DEL TERROR Y SU VINCULACION CON EL ROMANTISISMO

El terror en la historia del arte, surge como reacción a acontecimientos sociales. Muchos relatos de terror han representado de manera crítica modelos políticos, poniendo en duda el orden burgués amenazado por la llegada de un monstruo o un enemigo no sometido a los procesos de alineación laboral y social. El terror en ocasiones trata de una parte oculta y reprimida de la humanidad.  Los relatos de terror han develado miedos, odios, sospechas, traumas y aversiones que se encuentran en nuestra sociedad, además de coincidir con hitos históricos tales como guerras, crisis económicas y sociales, como respuesta a ciertas ideologías políticas.

En el cine del siglo XX se dan algunos ejemplos de esto: el expresionismo alemán puso de manifiesto la angustia de la sociedad en el periodo de entreguerras. La edad de oro del cine de terror norteamericano coincidió con la Gran Depresión; el breve esplendor fue durante la segunda Guerra Mundial. Las dos últimas etapas importantes del género fueron la iniciada por la película “Night of the Living Dead” de George Romero, que opina sobre los millones de muertos durante la Guerra de Vietnam, una metáfora representada a través de los muertos vivientes (zombies) que caminan en vida porque ya no hay más espacio en la tierra para tantos cadáveres; y la comenzada por la película “Psycho” de Alfred Hitchcock, que dio inicio a lo que se conoce como Slasher Films; subgénero del terror que critica al sistema moral decadente de la época de los 70, en donde el terror se encarna en un psicópata que persigue adolescentes que gozan de sexo y del consumo de drogas.

El Romanticismo, que nace teóricamente con el “Prologo de Cromwell” de Víctor Hugo, comienza a finales del siglo XVIII, desarrollándose durante la primera mitad del siglo XIX. Esta corriente emerge como manifiesto de rebeldía ante el clasicismo imperante del siglo XVIII, que –en líneas generales- está identificado por ser una corriente artística regida por leyes armónicas, de equilibrio y belleza, inspirada principalmente por los patrones estéticos y filosóficos de 

la Grecia clásica. 

El romántico rompe con esta estructura de orden de las cosas, y le otorga a las distintas áreas artísticas, de forma cualitativa, todo lo que ocultaba y negaba el clasicista, es así como aparece lo feo, lo grotesco, lo demoníaco, lo oscuro, lo malvado, lo disonante, lo displacentero, etc., frente a lo bello, lo armonioso y lo eqilibrado. En la literatura, en novelas como “Drácula” de Bram Stoker  y “Frankenstein” de Mary Shelley, aparecen grotescos monstruos frente a hermosas mujeres bajo una atmosfera lúgubre; en las pinturas de David Capar Friedrich y William Turner se ve la inmensa y hermosa naturaleza como ente sublime y dominante que está sobre el hombre; y en la música de Richard Wagner se percibe la fuerza estrepitosa de sus pasajes con momentos de placenteros sonidos; son ejemplos de distintas manifestación artísticas románticas que actúan por contraste en el arte.

DANZA ARABE (DANZA DEL VIENTRE)

     

     En los países árabes esta danza se conoce como Raks Sharki que significa literalmente Danza Oriental. El nombre Danza del vientre se empieza a utilizar en el siglo XIX por los europeos que viajaron a los países exóticos en busca de nuevas culturas, costumbres y paisajes. Estos viajeros le dieron este termino sorprendidos por los movimientos de vientre y cadera que no existían en las danzas europeas

 Tenemos que distinguir entre el Raks Sharki (Danza Oriental) y el Raks Baladi (Danza del Pueblo). El raks báladi es una danza más elemental, prácticamente sin desplazamientos y con movimientos de cadera predominantes. El raks sharki es más refinado y rico. Incluye movimientos del folklore egipcio, la danza clásica y la danza contemporánea, con  grandes desplazamientos, vueltas y movimientos para todas las partes del cuerpo, aunque los de cadera son también los más importantes.
 

Durante el S. XIX, en Egipto existían dos tipos de bailarinas: las ghawazee (gitanas) que bailaban al aire libre o en el campo, normalmente para audiencias de clase social baja. Actuaban con un pequeño grupo de músicos que solían incluir mizmar, nay y tabla. Las awalim eran mas respetadas y además de bailar, cantaban y recitaban poesía. Normalmente actuaban en casas de ricos. Los músicos eran: nay, oud, kanoon y tabla. En ambos casos la danza era improvisada.

Hasta el año 1930, los bailarines habían actuado sobre todo en casas de gente o en cafés. Ese año, en El Cairo, una mujer libanesa llamada Badia Mansabni abrió una sala  de fiestas llamada Casino Badia. Esta sala se hizo muy popular. Tenía un programa diverso que se basaba en el oriente y ofrecía bailarines, cantantes, músicos, comediantes y números europeos.       
La danza oriental siempre se había bailado en espacios pequeños. En el Casino Badia tuvo que ser adaptada a escenarios grandes. Badia En esos años se produjeron un montón de películas en Egipto y era habitual incluir alguna escena de danza o tener una bailarina como protagonista. Muchos cazadores de talentos iban al Casino Badia buscando bailarinas para estas escenas. Las bailarinas actrices tuvieron mucho éxito entre el público. además de formar a sus bailarinas trabajó con coreógrafos y bailarines europeos para incluir elementos de otras danzas (ballet). Estas bailarinas actuaban normalmente en grupos, aunque las que se destacaban por su talento hacían a veces un solo.

"HIP HOP"

El Hip Hop es un movimiento artístico compuesto por un amplio conglomerado de formas artísticas, originadas dentro de una subcultura marginal en el sur de los barrios Bronx y Harlem, en la ciudad de Nueva York, entre jóvenes latinos y afroamericanos durante la década de 1970. ^{1 2 3 4 5 6}  Se caracteriza por cuatro elementos, los cuales representan las diferentes manifestaciones de la cultura: Rap (Oral: recitar o cantar), Turntablism o " DJing " (Auditiva o musical), Breakdance (Físico: baile) y Graffiti (visual: pintura). A pesar de sus variados y contrastados métodos de ejecución, se asocian fácilmente con la pobreza y la violencia que subyace al contexto histórico que dio nacimiento a la cultura. Para este grupo de jóvenes, ofrece una salida reaccionaria a las desigualdades y penurias que se vivían en las áreas urbanas de escasos recursos de Nueva York, así que el "Hip Hop" funcionó inicialmente, como una forma de auto-expresión que propondría reflexionar, proclamar una alternativa, tratar de desafiar o simplemente evocar el estado de las circunstancias de dicho entorno, favoreciendo su desarrollo artístico. Incluso mientras continúa la historia contemporánea, a nivel mundial, hay un florecimiento de diversos estilos en cada uno de los cuatro elementos, adaptándose a los nuevos contextos en los que se a inmerso el Hip Hop, sin desligarse de los principios fundamentales, los cuales proporcionan estabilidad y coherencia a la cultura. El término Hip Hop se utiliza con frecuencia, erróneamente, para referirse específicamente a la música Rap.

• El origen de la cultura se deriva de las fiestas callejeraspor los Ghetto Brothers. Cuando se conectaban los amplificadores para sus instrumentos y altavoces en las farolas de la 163rd Street y Prospect Avenue, para que DJ Kool Herc en 1520 Sedgwick Avenue, hiciese alguna mezcla con samples de los gritos de la multitud y cantos de algunos bailarines, mientras algún MC animaba las fiestas y rapeaba al ritmo de los diferentes beats, al tiempo que varios bailarines competían, en ocasiones de otras pandillas. No es sorpresa que Kool Herc sea reconocido como el "padre" del hip hop. El DJ Afrika Bambaataa en conjunto con Zulu Nation, esbozó los pilares de la cultura hip hop, a la que él acuñó los términos: MCing o "Emceein", DJing o "Deejayin", B-boying y Graffiti o "Aerosol Writin". ^{7 8 9 10 11}

• Desde su evolución a lo largo del sur del Bronx, la cultura hip hop se ha extendido a diferentes culturas urbanas, suburbanas y comunidades de todo el mundo.¹² El Hip hop surgió por primera vez con Kool Herc y Disc Jockeys contemporáneos como también imitadores, todos estos experimentaron creando golpes rítmicos a través de loops breaks (pequeñas porciones de canciones que enfatizan un patrón de percusión) en dos platos. Esto más tarde fue acompañado por Rap, un estilo rítmico del canto o poesía a menudo se presenta en medidas de 16 intervalos de tiempo, y Beatboxing, una técnica vocal usada principalmente para proporcionar elementos de percusión de la música y diversos efectos técnicos de DJs. Una forma original de baile y particulares estilos de vestir surgió entre los fans de esta nueva música, el Breakdance. Estos elementos experimentaron una considerable adaptación y el desarrollo en el transcurso de la historia de la cultura, incluso hoy permanece en constante evolución al ser una cultura presente en mas de 200 naciones.

El Hip Hop es tanto, un fenómeno moderno como también antiguo; gran parte de la cultura ha girado en torno a la idea de actualizar las grabaciones clásicas, actitudes y experiencias al publico moderno en lo que se denomina "flipping". Actualmente aun sigue arraigándose a otros géneros norteamericanos como lo son el Blues, Jazz y Rock and Roll, inspirándose mayormente en el Soul, el Funk y los considerados "Hermanos Culturales" el Reggae, Dancehall y Rhythm and Blues o R&B (Usualmente considerado parte del Hip Hop). Compite ademas con el Rock, y el Pop por el primer lugar en cifras de ventas a nivel mundial como también la influencia cultural, ya que cada uno de los anteriores cuanta con seguidores en prácticamente cada nación de los cinco continentes, dando lugar a la creación de cientos de estilos y subculturas.

 

"BALLET"

Pintura de ballet de Edgar Degas

     El ballet clásico o danza clásica es una forma de danza cuyos movimientos se basan en el control total y absoluto del cuerpo, el cual se debe enseñar desde temprana edad. Se recomienda iniciar los estudios de esta danza clásica a los seis o siete años, ya que el ballet es una disciplina que requiere concentración y capacidad para el esfuerzo como actitud y forma de vida. A diferencia de otras danzas, en el ballet cada paso está codificado. Participan invariablemente las manos, brazos, tronco, cabeza, pies, rodillas, todo el cuerpo en una conjunción simultánea de dinámica muscular y mental que debe expresarse en total armonía de movimientos.
También se utiliza el término ballet para designar una pieza musical compuesta, a propósito, para ser interpretada por medio de la danza. El ballet es una de las ARTES ESCENICAS.


HISTORIA DEL BALLET:

ballet se originó a finales del siglo XV, a partir de los números de danza que se representaban en los festines de las cortes italianas. Estos elaborados espectáculos que desprendían pintura, poesía, música y danza, tenían lugar en grandes salas que se utilizaban tanto para banquetes como para bailes. Su contenido era normalmente alegórico-mitológico.
Los ballets cortesanos italianos fueron ampliamente desarrollados en Francia. El Ballet cómico de la Reina, el primer ballet del que sobrevive una partitura completa, se estrenó en París en 1581. Fue creado por Beaujoyeux y bailado por aristócratas aficionados en un salón con la familia real sobre un estrado al fondo y los espectadores en las galerías de los otros tres lados del salón. Ello determinó el carácter de los futuros ballets cortesanos, que cristalizaron en el siglo XVII en las diferentes cortes europeas con sus presuntuosos vestuarios, decoración, fuentes artificiales, luminotecnia, etc.
El ballet de corte alcanzó su cumbre durante el reinado de Luis XIV (1643-1715), cuyo nominativo de “Rey Sol” derivó de un papel que ejecutó en un ballet. Muchos de los ballets presentados en su corte fueron creados por el compositor italiano francés Jean Baptiste Lully y el coreógrafo francés Pierre Beauchamps, a quien se atribuye la determinación de las cinco posiciones básicas de colocación.
En 1661, Luis XIV fundó la “Academia Real de la Danza” para maestros . La danza empezaba a configurarse como una disciplina profesional.
En un primer momento solo los hombres podían participar, y los papeles femeninos los realizaban estos mismos disfrazados. Las primeras bailarinas aparecieron en 1681 en un ballet llamado “El triunfo del amor”.
La técnica de la danza en este periodo, recogida por Raoul Feuillet en su libro “Coreografía”, incluía pasos y posiciones todavía identificables. Se desarrolló una nueva forma teatral: la ópera ballet, que abarcaba el canto y la danza en una serie de danzas unidas por un tema común.
Los bailarines del siglo XVIII se veían entorpecidos por los trajes, zapatos, pelucas y miriñaques.
Fue Marie Anne Camargo quien acortó las faldas y empezó a usar zapatillas sin tacón, para exhibir sus pasos y saltos. Su rival, María Sallé desechó el corsé y se colocó túnicas griegas para bailar “Pigmalión”.
A pesar del virtuosismo de los bailarines franceses, los coreógrafos que trabajaban fuera de París consiguieron una expresión más dinámica en sus ballets. Fue John Weaver quien eliminó las palabras e intentó transmitir sentido dramático por medio de la danza y el gesto. En Viena se dio a conocer la pantomima.
En este sentido hay que destacar la figura de Jean Georges Noverre, cuyas Cartas sobre la danza y los ballets (1760) ejercieron una notable influencia. Para él, los movimientos debían fluir naturales y armónicos. Noverre encontró una oportunidad para plasmar sus ideas en Stuttgart, Alemania, donde produjo por primera vez “Medea y Jasón”.
Jean Dauberval, alumno del anterior, en su ballet “La fille mal gardée” (La muchacha mal custodiada, 1789) aplicó los principios de su maestro.
La danza en puntas empezó a desarrollarse, aunque los bailarines se ponían de punta sólo unos instantes, ya que aún no se habían inventado las zapatillas de punta dura.
El ballet "Las Sílfides", cuya primera representación tuvo lugar en París, inauguró el período del ballet romántico. María Taglioni, solista, interpretaba una criatura sobrenatural que es amada y destrozada de forma involuntaria por un mortal. Las sílfides inspiraron muchos cambios en los ballets de la época.
También debemos mencionar “Giselle” (1841), con música de Adam y coreografía de Jean Coralli.
El ballet romántico, sin embargo, no se inspiró exclusivamente en temas sobre seres de otro mundo.
Las mujeres dominaban (y aún lo siguen haciendo) en el ballet romántico.
Entre el ballet que vivía un proceso expansivo en Europa y la escuela bolera (danza académica española) surgió un importante vínculo. Los temas españoles comenzaron a estar de moda en los repertorios de los ballets. El gran Marius Petipa cristalizó la esencia española dentro del ballet clásico, produciendo entre 1847 y 1888 junto a Ivanov una serie de ballets y fragmentos de aire y estilo españoles que son verdad.



    

LOS ORIGENES DEL "TEATRO CALLEJERO"

              
                                                         
                                                                 TEATRO DE CALLE


     Como su nombre lo indica, el teatro de calle es aquella variedad cuyo hecho teatral se desarrolla en espacios exteriores.

-- LOS ORÍGENES: UN POCO DE HISTORIA

A pesar del gran desarrollo que tuvo el teatro en las antiguas civilizaciones griega y romana, ya sabemos que se produjo una grieta temporal que eliminó prácticamente todo vestigio de teatralidad del panorama cultural europeo durante varios siglos. Las primeras manifestaciones volvieron a surgir en la Edad Media, vinculadas a las iglesias y al culto religioso que se celebraba en ellas. Al principio, se trataba de hacer partícipes a los fieles de la historia sagrada a través de algo más que la lectura de las escrituras bíblicas durante la misa. Ni siquiera había una conciencia actoral, ni de actuación, sino que simplemente se pretendía poner en actos lo que siempre se había leído. Las iglesias se convirtieron así en el lugar ideal para llevar a cabo este tipo de representaciones, siempre englobadas dentro de alguna celebración litúrgica. Poco a poco, una rama del teatro fue desacralizándose, y mientras que el teatro religioso seguía creciendo dentro de las iglesias, que tantas posibilidades ofrecían, las nuevas manifestaciones profanas tuvieron de buscar otros lugares debido a lo inconveniente que podía resultar la representación de ciertos temas dentro del recinto sagrado de las iglesias. Los lugares más utilizados fueron los pórticos de las propias iglesias, o las plazas y calles de ciudades y pueblos. Unas de las primeras fiestas en las que el teatro salió a la calle fueron el Carnaval y el día del Corpus.


-- ESCENCIA:

      El teatro de calle lo dirigen unos actores que no pueden o no quieren actuar en un recinto cerrado, al corazón de un público que no puede permitirse el lujo de pagar para asistir a una representación a un teatro propiamente dicho. Además, muchas veces, el público al que se dirige ni siquiera está dispuesto a presenciar lo que los actores les van a mostrar, por lo que la esencia del teatro de calle es la dificultad en estado puro. Y a todo ello se une el hecho de que los espectadores, viandantes, ni más ni menos, tienen unas características sociales tan distintas que es prácticamente imposible contentarlos a todos con el mismo espectáculo, por lo que los encargados del hecho teatral callejero tienen que utilizar toda su originalidad para intentar engancharlos a todos, de ahí que las representaciones que obtienen sean generalmente tan poco convencionales.


-- LA CALLE COMO ESPACIO TEATRAL: INCONVENIENTES Y VENTAJAS

Si ya dentro de un teatro, con todas las comodidades que éste representa en los aspectos artísticos y técnicos, es difícil acoplar cada nueva producción al lugar que se le asigna, tratar de iluminar o proyectar la voz en la calle para lograr un resultado perfecto es un reto del que no siempre se puede salir airoso. Tampoco se dispone de un marco escénico concreto en el que desarrollar la actividad, lo cual puede ser tanto un inconveniente como una ventaja, ya que permite muchísima más libertad de movimientos, pero es complicado imaginar el espacio teatral preciso a la hora de crear el espectáculo y se hace necesario adaptarlo casi de forma improvisada. No se puede hacer ostentación de grandes escenografías, ni de enormes cantidades de atrezzo, ni tampoco de un montón de cambios de vestuario, porque los desplazamientos fáciles son imposibles. Sin embargo, los actores callejeros tienen algo que ninguno de los demás tiene: la cercanía total con el público; poder tocarles la mano, obtener una respuesta directa o encandilar a todo tipo de espectadores son en la mayoría de los casos, las mejores recompensas.

PERFORMANCE, TEATRO CALLEJERO Y POÉTICA VISUAL

   
   Un Sentido próximo al logro y a ejecución conseguida, tal palabra se ha difundido a las artes a partir de la expresión inglesa "Performance Art"  que esto proviene de lo que es el "Arte vivo" como "Arte conceptual".


     La historia del "performance Art" inicio en el siglo XX con las acciones en vivo del futurismo, el constructivismo, dadaísmo y surrealismo.
     Este arte de la Performance es el que en el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo durante un tiempo concreto. El performance o acción artística puede suceder en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y tener cualquier duración.


HAY UNA ACCION QUE INVOLUCRA 3 ELEMENTOS IMPORTANTES:

1.- Tiempo
2.- Espacio
3.- El cuerpo del performer y una relación entre el público y el performer.


En este sentido se opone al la pintura o escultura. La Performance tiene parentesco con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones de arte contemporaneo.
     El sniggling es una formal activista y engañosa del performance art en público, esta se desarrolla de modo que los expectadores no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance.


     La acción poética del arte contemporaneo es que slle refiere a la acción poética cuando se distingue una representación artística, basada en una simple acción poético del arte.

ACCIÓN POÉTICA SE DEFINE COMO:

1.- Una obra de arte fugáz
2.- Un análisis artístico de hechos cotidianos bien simples.
3.-Principio de acción-reacción y principio de intromisión
4.- Principio de transgresión.